È sufficiente inviare all’indirizzo commerciale@nellanebbia.it una mail con scritto “CAPAREZZA”

potrai vincere

due biglietti per il concerto di Caparezza

il 15 luglio al Venaria Flash Fest

(Arena Estiva Teatro Concordia – corso Puccini – Venaria – Torino)

Le mail dovranno pervenire entro e non oltre le ore 13,00 del giorno 11-07-2008,

il reportage verrà pubblicato nel numero di agosto di Nella Nebbia

in collaborazione con Hiroshima Mon Amour!

Il Festival del Vento è un laboratorio che sperimenta il territorio rurale nel suo potenziale di contenitore e generatore di nuove forme culturali.

E’ un’iniziativa artistica che dialoga con la campagna e, lasciandosi stimolare dai dibattiti culturali che trovano il loro epicentro nell’ambiente urbano, prova ad attivare una rinnovata forma di creatività, che sappia dialogare in modo consapevole e permanente con il territorio, ponendosi in un’ottica di ascolto.
Partendo dalla consapevolezza dell’abbandono culturale delle campagne, il Festival del Vento si propone come una piattaforma creativa che faciliti nuove forme di confronto, sperimentando una nuova frontiera di riflessione che restituisca ai territori il valore di paesaggio e attribuisca un nuovo senso, al di là dello sfruttamento economico della terra.

Il Festival del Vento diventa così un’occasione per leggere la campagna a livelli diversi, mescolando il più possibile i punti di vista: artisti e musicisti invitati in residenza produrranno dei lavori site-specific nati in questo contesto contesto di riflessione collettiva; sarà organizzata una tavola rotonda che metta a confronto agronomi, urbanisti, artisti, curatori, abitanti del territorio e sperimentatori di nuove forme di relazione tra città e campagna; saranno organizzati laboratori per bambini e verrà inaugurato il M.I.A. (Museo di Interazione con l’Ambiente), museo spontaneo dove chiunque è invitato a partecipare con il proprio contributo, disseminando l’ambiente di oggetti, sculture, girandole, aquiloni… costruite con materiali di recupero, riciclabili o di origine naturale.

A cura dell’associazione TooA (Trans Office for Open Art) in collaborazione con la Coop. Agr. Valli Unite.

E’ nel sobborgo provinciale vercellese, nei primi mesi dell’anno 2002 che NOego prende forma, inevitabile evoluzione del già ricercato ed apprezzato progetto Funkinetic partorito verso la fine degli anni ’90 (insieme a Luca Varvelli). Denis (Longhi), Massimiliano (Zanellato) e Andrea (Varini) sono i cuori pulsanti di questo collettivo di artisti multimediali, ormai al top nel panorama dell’intrattenimento musicale ed audiovisivo.

NOego si presenta con una formazione di musicisti e designer, suddivisi tra dj, strumentisti, vj, grafici, illustratori e videomaker. L’utilizzo incrociato di strumentazioni analogiche e digitali, permette sia nel campo musicale che in quello grafico-visuale, la creazione di prodotti originali, mai troppo tecnici, mai troppo pretenziosi, un eclettismo di rappresentazioni che spaziano dalla rivisitazione della cultura Jazz e del Funk in chiave per così dire “elettronica”, alla selezione ed al mix più ricercato con soluzioni Lounge e BrokenBeat, fino alla reinterpretazione di temi classici, omaggiando la cinematografia anni ’20 e vintage, contaminata con ipercinetiche animazioni 3D, sposando e sfruttando il connubio tra cultura “Hi-Tech” e “Retrò Lounge”.

Amore, ricerca, passione muovono il laboratorio NOego di cui è responsabile Denis, classe 1978, Dj produttore e instancabile progettista del futuro della factory, elemento propulsore della tante e varie attività in cui è impegnata la crew vercellese. NOego insieme ai maestri Marcello Testa e Claudio Guida dapprima, poi con la collaborazione di musicisti di grande spessore ed esperienza come Luigi Ranghino e Claudio Saveriano, ha dato vita al progetto live Jazzrevolver, un crocevia fra Jazz, Funk, Elettronica e Cinematica, presentato sul palco con un ensemble freejazz contaminata dalla programmazione laptop, campionamenti, scratch e suoni processati. Ed è sempre NOego – con la sua gemmazione in Casanoego (Associazione Culturale) - che proporrà il Festival Internazionale Jazz:refound dal 20 al 22 Giugno a Vercelli nell’area Ex-Montefibre.

NOego si presenta insomma come un ambizioso progetto multimediale, basato sulla ricerca e la sperimentazione collettiva, una Factory di artisti o presunti tali, dove la voglia di esprimere un concetto comune e condiviso, prevale all’ambizioso ed egocentrico individualismo artistico!

“Oggi ci troviamo a ragionare in Pixel o in Forme d’Onda – si racconta Denis - ma ascoltiamo ancori i 45 giri su vinile e ci guardiamo ancora “Il Grande Lebowsky” in VHS… Tutto questo perché NOego è il rifiuto del fanatismo, della strumentalizzazione epocale, NOego è sentimento, ed è digitale per necessità, poi, per passione! NOego è sole e mare, Barbera e THC, merenda in Monferrato, e concerto di Kruder & Dorfmeister. NOego è io guardo e tu impari, tu m’insegni io t’adoro! NOego è un libro in pausa pranzo, un portatile sulla sabbia, un vecchio giradischi portatile ed un cromatissimo e minuscolo lettore MP3. NOego, non sa di moda, sa di fragola, e forse anche un po’ di vaniglia! NOego sembra Funk, poco Black, ma pur sempre Funk!!!! NOego è il modo per dire che l’avanguardia, la morbosa ricerca dell’arte, è semplicemente sentimento, nulla più di quel movimento geloso, che d’innanzi all’amata forma, diventa gioia e dolore delle nostre emozioni!”.

Per info:

www.jazzrefound.com

www.noego.org

Scarica il programma completo

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E’ impossibile riassumere (figuriamoci raccontare) la storia pulsante, imprevedibile e bizzarra della Banda Osiris in poche pagine. Ma non ci preoccupiamo. Per bio- & agiografie c’è Internet, cercate e troverete tutto. Quando i quattro musicisti/attori cominciarono a suonare per strada, a Vercelli nel 1980, suonare e divertire su marciapiedi e piazze era un mestiere da scoprire e imparare. Insieme a Giancarlo Macrì, percussioni e basso tuba, un po’ con la scusa geografica, un po’ con quella “antologica” di un CD e DVD usciti da poco (si chiamano entrambi 25, su Fandango), proviamo a tracciare una traiettoria a zig zag di uno dei più noti e invidiati export vercellesi di sempre.

Partendo dall’inizio, ma soprattutto dal basso:
Iniziare la carriera in strada ci ha condizionato profondamente: ci ha insegnato un modo di affrontare lo spettacolo che nessuna scuola sarebbe mai stata in grado di trasmetterci. Gioco si, ma hobby no: la Banda non lo è mai stata e quindi abbiamo dovuto imparare immediatamente meccanismi efficaci, quelli che fanno entrare i soldi nel cappello. Creare sorprese continue, passare da una cosa all’altra velocemente, tenere alti ritmo ed energia. Altrimenti la gente si rimette a camminare dopo due minuti.

Ora che avete visitato praticamente ogni angolo del mondo, che sguardo avete su Vercelli?
Beh, la ragione sociale è ancora qui! (Ride, nda). La provincia all’inizio è ideale, ma poi devi uscirne. E’ l’ideale perché sei a contatto stretto con altra gente che ha voglia di fare cose diverse e in più, nel nostro particolare caso, il rapporto con l’amministrazione locale era ottimo: c’era il comprensorio che finanziava i progetti artistici e furono loro a comprarci i primi strumenti. Poi ricevemmo l’incarico di organizzare una rassegna locale, alla quale partecipammo e che ci diede l’occasione di essere notati. Dopo tanti anni ci piace tornare a casa da Milano o dalla Toscana. Ci piacciono la tranquillità e la familiarità del tornare a Vercelli, ma siamo sempre attenti a non sfruttare la popolarità locale, a non sovra-esporci solo perchè giochiamo in casa.

Dalla geografia alla storia: in una carriera così lunga i ricordi, belli e brutti, si vanno a sovrapporre, si confondono e snelliscono. Se potessi isolarne due o tre, sottolineare alcuni momenti che sono stati per te e per voi più significativi di altri, quali sceglieresti?
Uno estremamente banale ma molto vero è il momento in cui hanno cominciato a riconoscerci per strada. Gli altri sanno chi sei e cosa fai: anche mia zia in Calabria riuscì finalmente a capire cosa facessi! (Ride, nda). Un momento a posteriori divertente risale poi a quando venni morso da un cane suonando per strada, in Germania: dovetti andare all’ospedale e pagare anche il conto. Ma la Germania ci ha anche riservato il successo più grande e inaspettato, vincere l’Orso D’Argento al festival del cinema di Berlino per la colonna sonora di Primo Amore di Garrone. Ricordo la limousine che prendemmo per cento metri di strada, le facce esterrefatte dei fotografi quando ci videro scendere, l’idea di suonare una canzone al posto del discorso di ringraziamento. Ma soprattutto la reazione moderata di Gianluigi che disse… “e chi l’ha vinto quello d’oro?”. (Ride, nda).

Avete sempre avuto un rapporto privilegiato con la radio, e in misura minore con la televisione. Cosa preferite dell’una e dell’altra?
Il teatro è il nostro mestiere principale, e la radio viene subito dopo. Utilizzano dei meccanismi simili: a teatro i tromboni suonati in un certo modo diventano proboscidi d’elefante. In radio un semplice suono d’acqua può essere una cascata o l’interno di una cella. Costringi il pubblico a fare uno sforzo d’immaginazione – almeno per le radio che abbiamo fatto noi! In televisione è l’opposto: devi essere concreto, muoverti, suonare e non incappare negli errori che una ripresa metterebbe a nudo. Funziona per gag e puoi essere meno surreale. Le colonne sonore invece sono fuori classifica: è nato tutto per caso, non ci avevamo mai pensato.
Cosa significa per caso?
Significa “per colpa di Matteo Garrone”! (Ride, nda). Durante una cena ci propose di realizzare delle musiche per Ospiti, un suo film molto naif e solare. Ci siamo divertiti, a lui è piaciuto il risultato ed è stato naturale continuare a lavorare insieme, anche se i film successivi sono tutti mattoni! (Ride di nuovo, nda). Siamo scesi agli inferi con lui, a parte per l’ultimo Gomorra, che ha fatto in tre giorni più soldi di tutti quelli prima messi insieme… la nostra solita fortuna. (Ride ancora, nda).

Un’ultima domanda, per tornare al territorio che vi ha visto nascere. Che ricordo hai, Giancarlo, del bar di Cecco? E’ stato un luogo fondamentale per la comunità artistica vercellese, specialmente quella musicale.
Lo frequentavano tutti gli artisti, quelli veri e quelli in erba: oltre a noi di quelli che hanno poi fatto un po’ di strada ci sono almeno Alessio Bertallot e Roberto Vernetti. Era un luogo dove scambiare opinioni, in un periodo che ricordo roseo. Proprio lì nacque il progetto Tony E I Volumi: ci chiamarono per un programma televisivo al quale non volevamo partecipare come Banda Osiris e dal nulla creammo questo gruppo con Tony, il nostro tecnico delle luci, che aveva il physique du role giusto. Ora non c’è più un locale così, sono rimasti quasi solo posti per cover band, la TV ha condizionato tutto. Un gruppo giovane non riesce più a confrontarsi con un pubblico per capire se ciò che fa funzioni o meno.

C’è un’indicazione che talvolta appare sulle strade dei quartieri periferici delle grandi città o dei paesi e che segnala la presenza di una “sala polivalente”. E’ il frutto della lodevole iniziativa di qualche pubblica amministrazione, che ha cercato di mettere a disposizione dei giovani un luogo di aggregazione dove si può leggere, usare internet, guardare film in dvd, fare attività fisica. Ma al nobile intento non corrispondono quasi mai risultati positivi e le sale polivalenti, spesso vuote, sono presenze tristi, malinconiche. Tutte tranne una, che a Vercelli è stata per anni davvero una sala polivalente, non di nome, ma di fatto. Il nome era “da Cecco”: un ristorante, pizzeria, bar dagli spazi amplissimi e variamente distribuiti, dall’arredamento originalmente démodé, costruito in quelli che erano stati i locali della mensa Montefibre. Si mangiava (bene) da Cecco, si beveva (birra soprattutto, ma anche qualche buona bottiglia di vino), si chiacchierava seduti attorno ai larghi tavoli, si ascoltava musica, e si organizzavano anche le più varie iniziative. Pesco nella mia memoria di frequentatore: un cenone di capodanno a cui avevo invitato amici milanesi in cerca di soluzioni alternative, allietato dalla musica di Tony e i volumi, reduci dai successi televisivi: tra i più scatenati nelle danze, l’attrice Lucilla Giagnoni, Laura Bosio, Tonino Repetto e, per completare il quadro, poco prima di mezzanotte arriva la neve. Un’altra serata indimenticabile quella organizzata da Il ponte, Parlanti suoni diversi, dedicata alla poesia, con uno stuolo di poeti arrivati da mezza Italia a proporre le loro opere nelle forme più varie: recitazione, coro, musica. E poi, naturalmente, tutti a gustare la cucina del Cecco. Un’altra sera approfondito dibattito sul Sessantotto (credo fosse il trentennale) con docenti dell’Università e testimoni e, un’altra volta ancora, la presentazione di un mio libro di qualche successo sull’impatto mediatico dei mondiali di calcio americani del ’94 (I media nel pallone), con la presenza di Ranghino e Saveriano e la loro musica per non annoiare troppo i presenti. Queste erano le occasioni speciali, ma Cecco voleva dire anche la normalità, la consuetudine del sabato sera: un film al primo spettacolo e poi alle nove una pizza che, seduti attorno al tavolo, diventava anche un assaggio di salame, una buona bottiglia e quel che il cuoco si era inventato. Mi dicevano che lo strepitoso successo di Cecco aveva portato anche un po’ di disappunto tra gli abitanti dei palazzi circostanti. Non tutti i frequentatori, come quelli della mia età, finita la cena, se ne tornavano a casa, i più giovani, anche dopo la chiusura, restavano in zona e non erano particolarmente silenziosi. Ma si sa, come dice il poeta, “certe notti/ fai un po’ di cagnara/ che sentano che/ non cambierai più/ certe notti/ tra cosce e zanzare/ e nebbia e locali/ a cui dai del tu…”.

Avete presente i vecchi negozi che vendevano giocattoli, dove tutto era ammonticchiato ed ammassato su scaffali improbabili ed i soldatini andavano a braccetto con bambole, animaletti di plastica e quant’altro? Bene, addentrarsi nello studio novarese di Corrado Bonomi è stato per me come tornare un po’ indietro nel tempo. Almeno di vent’anni. Non ero mai entrata nello studio di un artista e quando mi hanno proposto di intervistarlo, non sapevo se accettare. Non mi sentivo all’altezza visto che mi sono sempre occupata ed interessata di altro. Ma alla fine ho accolto la sfida: ho lasciato per qualche ora in disparte un mondo fatto di tabelle, numeri e computer per inoltrarmi in un universo dove le certezze non ci sono e a farla da padrona sono i sogni e l’immaginazione.

Persona schietta, Corrado Bonomi: sapendo della nostra provenienza vercellese ha elogiato il Guggenheneim ed il primato culturale che, secondo lui, Vercelli detiene in questo periodo. “Guarda solo la città di Novara. Il contenitore che può ospitare mostre e non solo c’è: ovvero il castello. Che stanno ristrutturando. Ma quando si parla di contenuti, tutto crolla”. Pensa, dico tra me e me, se improvvisamente le formiche giganti appese al soffitto dovessero animarsi e prendere vita. Le piccole bestiole riuscirebbero così a prendersi la rivincita dopo anni di pestaggi da parte di noi umani, ed io sarei la loro prima vittima. La voce narrante di Bonomi mi riporta poi con i piedi per terra “Sono un collezionista con la passione per il modellismo di carta. Ho avuto in eredità la passione per i fumetti da mia nonna, che era una maniaca dei libri in generale. Ed io di Topolino. E questo dove ci troviamo ora è l’ultimo di una serie di studi, dopo tante soffitte… Con tutti i vantaggi e svantaggi dello svolgere la propria professione vicino all’abitazione: alla fine si rischia di lavorare di notte. Come capita a me”.

Nel 1982 la sua prima mostra: com’è cambiato da allora il suo modo di fare arte? “Prima di tutto dico che ho anticipato un certo clima, pagandolo poi dopo. Credo sia il pegno che una persona deve pagare se vive in un contesto provinciale, e ciò vale per l’arte come per la grafica. Nel 1982 decisi di non fare la mia prima mostra a Novara, per evitare l’invasione di parenti e amici. Una delle mie fortune è stato però l’avere proprio a Novara una galleria d’arte, che ora non c’è più, dove da giovane ho conosciuto Bruno Munari: da lui ho imparato molto, soprattutto che la mostra non è la galleria”.

Bonomi non produce per il mercato e denuncia la mancanza in Italia di spazi pubblici dove esporre. Si è occupato tempo fa anche del riutilizzo alternativo dei materiali di scarto. “Partendo da lontano posso dire che, finito il liceo, ho scelto di non essere un professore. Cosa che invece ho desiderato successivamente. Non sono mai stato un professore a tutti gli effetti ma mi sono inserito nelle scuole con la creatività, la didattica basata sul riutilizzo alternativo dei materiali di scarto. Per me il riciclaggio è una scelta ideologica. E poi una scelta dovuta alla mancanza di fondi. Con le scuole abbiamo costruito oggetti che erano funzionali al materiale e non viceversa”.
Alcuni esempi? “Mucche create con il cartone del latte, lucciole fatte con bottiglie di plastica, pecore di stracci e cotone, un alce creato con le pigne, tartarughe che prendono vita da suole di vecchie scarpe o ciabatte usate, girasoli ricavati da attrezzi per il giardino come i tubi per l’acqua”.

Importante per Bonomi l’anno 1987. “Con le scatolette di sardine inizia la mia vita artistica vera, la pienezza del creare. La scatoletta-pesce. Un volta nella scatoletta color argento ed oro c’erano le sardine. Le ho svuotate. Ho mangiato il contenuto. E ho dipinto sul fondo il contenuto stesso della scatola: cioè un piccolo pesce”. Il tutto con una pittura ad olio, quasi a voler richiamare l’olio che prima copriva le sardine. Come si chiama tutto ciò? “Concettualismo ironico ovvero collegare e combinare diversi concetti. All’estero hanno riconosciuto artisti italiani più di altri italiani in Italia o di altri italiani che espongono all’estero. Che di italiano non hanno però nulla. Mi spiego: le nostre caratteristiche sono l’ironia, l’autoironia, il colore, un certo modo di interpretare l’arte”. Non frequentando l’accademia le mie prime erano mostre che ho definito di “formazione”. Il bello di quando non hai maestri è che non sei influenzato. Quando guardo i miei coetanei… beh… loro sembrano artisticamente più vecchi di me. Capisci, è tutto un discorso di percorsi”.

Già, i percorsi. Mi immagino le strade mentali di Bonomi formate da macchine strane, tondeggianti, con occhi al posto dei fanali e strade colorate con un asfalto gommoso pronto ad essere modellato. “Se ti formi con un maestro hai un vantaggio iniziale, ma non nel tempo o a lungo andare. Io ho iniziato lavorando con persone più vecchie e poi man mano ho svecchiato. Nelle due ultime mostre cui ho partecipato vi erano altri due artisti con me, che insieme facevano la mia età: vuol dire che non morirò solo e ciò mi rincuora”.

E’ certamente rischioso sperimentare cose strane, ma “Se vuoi inserirti in un dibattito non bisogna essere scontati, o peggio ancora banali. In Germania ci sono circa 400 musei pubblici o meglio di arte contemporanea: qui in Italia invece l’arte sembra quasi essere una cosa di élite. I meccanismi di mercato a volte, purtroppo, prendono il sopravvento. Il pubblico non sceglie più le opere ma le gallerie. Per alcuni bisogna apparire comprando solo certe opere”.

Guardo Corrado Bonomi e, non so il motivo, me lo immagino con un piccolo cappello verde in testa, come un moderno Peter Pan. E mi aspetto quasi che da un momento all’altro spicchi il volo, portando me e Marco a vedere Novara dall’alto. La sua Novara, o meglio i paesaggi mentali di Bonomi, come l’artista immagina e rielabora la realtà. Un mondo fatto di trenini, soldatini, automobiline, modellini di diversi generi ed un castello rovesciato a testa in giù. Sue anche “La marcia su Roma” del 1998: una scatola in legno con soldatini squadristi o la collezione di “Fatina fatata fatale” del 1999. Traspare una cosa parlando con Bonomi: ovvero la similitudine dell’arte e del gioco, che per Bonomi hanno elementi profondamente affini.

Per Bonomi tutto sembra essere un gioco, a volte anche senza regole e cinico. Basta guardare “Gargamella Dream”, ovvero i puffi in un passaverdura! Suo, non a caso, il “Bonopoli”, ovvero l’aver ridisegnato il Monopoli mettendo il Duomo di Milano al posto di Parco della Vittoria o la Mole Antonelliana dove prima c’era Vicolo Stretto.

“Sono incazzato perchè non mi sento rappresentato. Purtroppo prevale il nepotismo anche in settori come la cultura, il cinema. Ti sei mai chiesta perché il film italiano non funziona? Perchè ci sono i figli di papà che ci lavorano, creando un ambiente snob che di culturale non ha nulla”.
Si, dalle parole di Bonomi traspare rabbia. E te la trasmette in ogni singola frase. Quasi si sentisse un po’ solo in questo mondo che pian piano è diventato di facciata lasciando in disparte la sostanza. E per un artista, un creativo, a parer mio deve essere frustrante a lungo andare. All’estero l’arte è presa in considerazione in modo nettamente diverso rispetto all’Italia “Nella mia carriera mi sono confrontato con tanti artisti. Spiegatemi perchè all’estero si riesce a dibattere e a confrontarsi con artisti di un certo livello. E in Italia sempre con gli stessi artisti non vi è nemmeno il dialogo? Ma perchè manca lo spazio pubblico. Qui si preconfezionano prima dei valori. Non voglio essere ripetitivo ma siamo circondati da nepotismo e snobbismo. E questi due aggettivi creano una classe che si crede pure illuminata. Ma di illuminato non ha nulla! E l’arte ci perde”.

Vomita parole Bonomi, quasi a sfogarsi “In Italia si distillano dei prodotti che per funzionare devono per forza avere caratteristiche esterofile. Viviamo in un clima soffocato. E per vedere le opere, che ne so, di Boccioni, devi andare all’estero. E lo stesso vale per le mie. Non te le accettano in Italia, nemmeno a regalarle. E questo perché? Per mancanza di spazio”.

La rete museale, il suo sviluppo, sarà l’elemento chiave del cambiamento secondo Bonomi. “La situazione migliorerà quando ci sarà una rete museale di un certo tipo e non ci sarà più la supremazia delle gallerie. Sommando tutto il risultato sarà più dibattito culturale. Cosa che ora manca”. Ritorniamo poi nel suo mondo, che sembra quasi, per la minuziosità utilizzata nel creare certe opere, il mondo di un modellista. “L’idea è una cosa, poi svilupparla è un’altra. E a volte ci si mette di mezzo pure il mercato: vedi questi semplici sottovasi verdi? Beh, in commercio non si trovano più. Un conto è pensare ad un vaso e un conto è farlo! Cosi come le scatolette con la vite delle sardine: le ultime le ho trovate in Pakistan. Si, la mia natura è da modellista. E anche collezionista! Le cose le cerco, le trovo o semplicemente ci inciampo. Uso gli stampi in silicone e resina, molto leggera, come materiale finale oppure ho utilizzato la balsa per creare la serie dei “piccoli uomini”. Il “CICLO” è un’idea e devo svilupparla nel modo più variegato e duraturo nel tempo. Tipo il “ciclo delle culture” del 1992: il tutto nasce da una mostra sperimentale, dove si parte dall’ elemento vegetale, i fiori, e prosegue tutt’ora. Creando piante con gli innaffiatori al posto dei petali, girasoli che prendono vita da tubi di plastica e così via”.

Alla fantasia non bisogna porre freni o limiti. E quello che può nascere dalle idee di Bonomi è davvero sorprendente. Impensabile a volte. “Una cosa che farei è creare un premio nuovo, ovvero “Il premio alla consapevolezza” cosa più difficile da avere e mettere in pratica sia nell’arte che nella vita”.

Giornata ecologica alla Colombara tra crisalidi e miti greci

 La Haberkern dà l’impressione, da subito, di una persona estremamente riservata e tranquilla, felice di vivere in un luogo dove i grandi spazi fanno da padroni e il silenzio regna sovrano. Ma quello in cui sono entrata oggi è un silenzio carico di parole, di creatività, carico di Claudia. Un’artista che ha vissuto nelle capitali più importanti d’Europa approda con soddisfazione a Livorno Ferraris per “Frugare dentro se stessa e trovare le sue radici più intime”. Qui ha conosciuto persone come Mario Donato e Carla Pugliaro, che da anni si occupano dell’ecomuseo della Colombara, persone che nel quotidiano realizzano e creano un percorso di conoscenza profonda delle nostre origini. Tutto questo per Claudia è pura creatività e ci tiene a sottolineare che “Percepisco quel frugare nelle proprie tradizioni e origini come un ponte tra il loro mondo e la mia ricerca artistica”.

Tra una Nascita di Venere ed una Crisalide l’artista ci racconta un po’ della sua vita: nasce in Germania, vive a Berlino dove con grande entusiasmo inizia a lavorare, come attrice, con diversi esponenti del Teatro Off per poi frequentare, a Parigi, l’Ecole Jacques Lecoq. Con il tempo capisce di essere più adatta al dietro le quinte ed inizia a scoprire, attraverso la realizzazione delle varie scenografie, di preferire il lavoro manuale e sperimentale del retro palcoscenico alle luci della ribalta, e così, a poco a poco, si avvicina alla scultura. Anche questa come il teatro, sperimentale.

Il desiderio di vivere in un posto così isolato è nato dalla necessità di poter avere tutto il silenzio necessario per capire bene quello che c’è dentro di lei. I ritmi veloci ed inarrestabili della città la penetravano e la rendevano inquieta, qui dove tutto è silenzio e quiete ha imparato a trovare gli stimoli non all’esterno, ma dentro se stessa.

Alla Colombara Claudia ha imparato ad ascoltarsi.

I suoi lavori sono esposti in un grosso e luminoso salone che originariamente era la riseria della cascina, qui gli interventi di restauro conservativo sono notevoli, visibili ma non invasivi, le pareti infatti non sono state ridipinte, ma “curate”. Ancora oggi si notano le macchie saline che aggrediscono il fioco colore azzurro e donano all’ambiente un aspetto usato, consumato e carico di suggestione. In questo sottofondo lieve e leggero le sue sculture trovano tutto lo spazio per potersi esprimere al meglio. Quando ritiene che un’opera sia conclusa, Claudia la prende e la porta nel salone, poi la lascia qui un paio di giorni e valuta… valuta se il salone la “vuole accogliere, se può trovare la giusta collocazione”, poi passato qualche giorno decide se il pezzo è concluso o necessita di altre trasformazioni.

Per l’artista è “fondamentale che tutte le opere riflettano il mio vissuto”, dentro ogni Venere, ogni Crisalide e ogni Arianna nel labirinto c’è Claudia che vuole rinascere farfalla e librarsi in aria, che vuole rivivere l’impetuosità della nascita di Venere in quanto perfezione, o semplicemente essere un’Arianna che salva il suo Teseo da un complicato labirinto che altro non è se non la vita. “Lavorare implica dover attraversare delle zone intime e strettamente personali del mio essere. Fermarmi lì, sarebbe esibizionismo. La sfida è avvicinarsi a quei vortici di emozioni disordinati, che costituiscono la materia prima di ogni opera, senza lasciarsene dominare completamente. Non so cosa sia più pericoloso, se cadere dentro il vortice o starne troppo lontani nel tentativo di afferrare un briciolo di vita. Io ho trovato la giusta via di mezzo, che mi permette di osservarlo ed estrapolarne immagini cariche di suggestione.”

Ogni opera è un tentativo di ricerca della bellezza autentica e assoluta, che una volta trovata deve essere espressa e concretizzata in opera, ma ci tiene a sottolineare che “la bellezza è come la verità, se manca l’autenticità, l’opera non riflette nulla e diventa solo un oggetto”.
Gli stadi attraverso cui passano le sue idee sono lunghi e laboriosi, tutto il suo modus operandi è finalizzato a dare organicità a ciò che “nasce”, perchè questi sono veri e propri “parti”, che nascono attraverso un lungo lavoro di ricerca interiore e prendono fisicità man mano che le idee si fanno più chiare. Anche se poi le tematiche “sono sempre in evoluzione visto che nulla è perfetto, la perfezione non esiste” e così subito dopo il parto, ricomincia una nuova ricerca volta a migliorare ciò che è stato partorito: “nella mia ricerca il tema della trasformazione è centrale e penso che la metamorfosi dal bruco alla farfalla resta sempre una meravigliosa analogia. Altre volte mi ispirano gli antichi miti, che da millenni costituiscono un immaginario formidabile per dare forma a situazioni, tormenti e gioie che si trovano oltre la frontiera dell’apparenza. Le mie opere non vogliono mai shockare o provocare, ma a volte, lo fanno, loro malgrado” .

Le crisalidi sono, forse, le sculture che più la rappresentano, bozzoli eterei e impalpabili ma dotati di forme conturbanti ed evanescenti, pronti ad aprirsi alla vita, pronti a crescere e trasformarsi in farfalla per poi prendere il volo ed essere indipendenti da tutto e da tutti. Indipendenti come Claudia.

Santhià. La passione per le “macchinine” coinvolge fin da piccoli, poi, crescendo, il semplice piacere per il gioco evolve e si vorrebbe possedere materialmente l’auto originale, che ci fa sognare per i risultati ottenuti nelle gare di rally o di Formula 1: vogliamo quella macchina, la sogniamo di notte, immaginiamo di guidarla e di gareggiare a folle velocità contro famosi piloti.

Ecco, ora chi pensa che “accontentarsi” sia il termine giusto, è fuori strada (giusto per rimanere in tema). Dietro ad una fedele riproduzione c’è un grande lavoro e spesso anche il tocco di un artista. Come quello del santhiatese Ivano Chiapatti, classe 1954, noto in tutto il mondo tra gli appassionati del settore grazie ai suoi prodotti, marchiati Racing 43. Con le sue mani, guidate da una particolare sensibilità e un’attenzione meticolosa al dettaglio, ha cesellato finemente blocchi di cera e di materiali compositi per dare forma alle scocche e ai particolari più caratterizzanti delle autovetture, sportive e da strada, in scala 1/43, oltre ad aver realizzato gioielli, bassorilievi, figure umane e animali.

Quando e come si è sviluppata questa tua abilità?
Da bambino mi sono sempre piaciute le automobili e da lì è derivata la passione per il modellismo. Mi piaceva costruire e modificare i modellini originali, poi ho iniziato a collaborare con importanti aziende del settore. Questo fino agli inizi degli anni Novanta, quando ho deciso di mettermi in proprio fondando la società Formula 43, in cui tuttora sviluppiamo i kit partendo da nostri disegni tecnici e seguendo tutta la procedura internamente, fino al prodotto finito.

Dove hai imparato a scolpire?
La mia manualità è innata, sviluppata da autodidatta senza seguire nessun corso. Io stesso sono stato invitato a tenere conferenze sul mio lavoro, ma non sono un bravo docente.

Come procedi per ricavare un modello in scala ridotta di un’autovettura?
Fino a sei anni fa bisognava avere materialmente la vettura da riprodurre, le si scattavano svariate fotografie, si facevano dime e si prendevano innumerevoli misure. A questo punto ricavavo i disegni tecnici e cominciavo a scolpire il blocco di cera usando frese a pallina e cilindriche, lime, cartavetro, punte da 0,5 a 2,5, truschino e calibro. Dal modello scolpito, con apposite resine si ricava lo stampo della parte interna e di quella esterna e quindi il prototipo. In seguito, al posto della cera, ho usato altri materiali come il Prolab, un amalgama di pasta di legno, che permette di evitare che le colature di fusione potessero venire male mandando all’aria mesi di lavoro.

Negli ultimi anni che cosa è cambiato?
Dal 2000 in avanti il computer ha sostituito gran parte del lavoro manuale. Le stesse case automobilistiche ci danno le misure e le matematiche dei progetti originali che ci permettono di riprodurre perfettamente i loro modelli. Ammetto che quando abbiamo iniziato a usare i Pc ne ho sofferto perché, se fino a sei anni fa il modellista con la sua sensibilità faceva la differenza, i sistemi informatici hanno livellato i risultati e l’intervento del modellista è relegato ad alcuni dettagli.

In quanto tempo si ricava il modello finito?
Partendo dal blocco di cera alla macchinina finita con il vecchio metodo si impiegavano circa 250/300 ore di lavoro. Con l’aiuto dei computer e la stereolitografia adesso siamo intorno ai quattro giorni, si arriva a una settimana dieci giorni al massimo per i modelli più complessi e sofisticati.

E a questo punto cosa rimane da fare?
Due cose. O impacchettiamo il kit per gli appassionati dell’assemblaggio oppure prepariamo il modellino finito. In questo caso puliamo gli stampi, li stucchiamo, carteggiamo, laviamo, verniciamo, chiudiamo la scocca col fondino, infine montiamo le fotoincisioni (fanali, tergicristalli) e, se servono, vengono applicate le decalcomanie. Per montare un auto ci vogliono almeno un paio di giorni tra lavorazione, verniciatura e asciugatura.

Di tutti i passaggi quale ti piace maggiormente e qual è stata la tua massima soddisfazione?
Senza ombra di dubbio la fase che amo di più in assoluto è la scolpitura della carrozzeria. La massima soddisfazione l’ho ottenuta quando ho realizzato il modello della Lancia Stratos, con le portiere apribili, tratto dall’originale e scolpendo manualmente il prototipo.

Guardi una foto di Anita Caprioli e ti chiedi, d’impatto, quali aggettivi possano (almeno in parte) descriverla. L’impressione è che l’attrice di origine Vercellese sia una donna d’altri tempi, romantica e malinconica. Decidiamo a quel punto di intervistarla per capire quanto quell’idea corrisponda al vero e parte così un curioso inseguimento fatto di telefonate e di mail, allergica com’è ai giornalisti e (soprattutto) al gossip: alla fine, dopo vari tentativi, capisci che anziché provare il classico gioco linguistico intervistatore-domanda-intervistato-risposta è forse più interessante lasciarla parlare.

Una sorta di “flusso di parole” attraverso il quale si racconta con più facilità, senza paure o tentennamenti. Ne viene fuori un’inedita e curiosa autodescrizione in dieci parole dell’attrice che ha lavorato con registi di primo piano, tra cui i premi Oscar Franco Zeffirelli e Gabriele Salvatores, e che ha strappato ottime critiche per film come Vajont e fiction come Cime tempestose. Solo dopo averla ascoltata, capisci quanto effettivamente sia imprendibile (per l’incapacità di sentirsi veramente parte di un solo luogo e di una sola situazione), caparbia (perché è riuscita solo con le sue forze a costruirsi una carriera fatta di sofisticate occasioni e di scelte controcorrente) e passionale (visto che si “affida” volentieri alla passione sia sul lavoro che nella vita privata).

Ecco un piccolo ritratto di Anita Caprioli, attrice complessa e sfaccettata, ad una passo dal giro di boa verso la grande popolarità.

INDIPENDENZA. “L’indipendenza è parte del mio modo di essere sin da bambina, è una costante del mio carattere. Forse questo mio spirito indipendente dipende anche dal fatto che sono nata sotto il segno del Sagittario e magari qualche influenza “astrale” ce l’ho avuta. Fatto sta che me ne sono andata via di casa molto presto ed è stato del tutto normale rendermi autonoma il prima possibile: volevo andare a vivere da sola per capirmi, e in questo credo che il teatro sia stato fondamentale, perché è stato una sorta di percorso che mi ha aiutato a conoscermi. E’ stato “naturale” iniziare a 15 anni con dei laboratori teatrali prima a Milano e poi a Londra. A 18 anni ho deciso che Roma sarebbe stata la mia città, mi ci sono trasferita e poco dopo ho iniziato col cinema”.

VERCELLI. “E’ un rapporto lontano quello della città nella quale sono nata, legato ai ricordi dell’infanzia. Se vado indietro nel tempo mi vengono in mente poche cartoline, alcune immagini della memoria che però sono molto nitide: rivedo la mia nonna materna, la campagna e le risaie. Da bambina ero allegra, non avevo particolari problemi, ma sentivo di non appartenere mai al contesto nel quale mi trovavo, ero sempre un po’ a disagio. Mi sentivo bene solo in Calabria, quando i miei nonni materni in estate ci portavano con loro in Calabria”.

SUD. “Sento molto le mie origini meridionali, anche se gli anni della formazione li ho vissuti tutti prima a Vercelli, poi a Busto Arsizio e a Milano. Ma lo dico sempre: il mio cuore batte al ritmo del sud”.

PALCOSCENICO. “Il profumo del teatro è uno dei ricordi indelebili che ho. Il palcoscenico è stata la mia casa sin da piccola. Gli attori della Filodrammatica di Varese erano praticamente i miei baby sitter: mamma faceva l’attrice e papà lavorava nella stessa compagnia quindi erano tra virgolette costretti a portarmi sempre con loro, almeno fino a quando non ho iniziato la scuola e a quel punto mia mamma ha smesso di andare in tournée. Ma prima facevamo la vita dei circensi, sempre in giro per l’Italia, e il camerino era il mio asilo nido, circondata da personaggi eccentrici e bizzarri. Per anni ho avuto l’immagine del palcoscenico come qualcosa di enorme e immenso: poi quando ho iniziato a frequentare la scuola di danza l’ho approcciato in un modo diverso, l’ho ridimensionato e ho imparato la disciplina”.

DELFINI. Lo scorso aprile al cinema sono usciti due film in cui Anita ha interpretato il ruolo della protagonista: I demoni di San Pietroburgo del grande Giuliano Montaldo e Non pensarci, commedia amara di Gianni Zanasi. In quest’ultima pellicola la Caprioli interpreta Michela, la sorella di Valerio Mastandrea, una ragazza che subisce la realtà della vita di provincia, molla l’università e va a lavorare al delfinario di Rimini. “Nel film sono una ragazza molto solitaria, lunatica che ha scelto di vivere a contatto con i delfini, preferendo sicuramente il rapporto con gli animali che con le persone. Il mio ruolo prevedeva un contatto molto stretto coi delfini. Ammetto che all’inizio è stato molto complicato e faticoso. Poco alla volta mi sono sciolta e si è creata un’empatia davvero straordinaria: ho scoperto quanto possa diventare forte il rapporto tra uomo e animale”.

PACE. Anita sostiene da qualche anno Amani (www.amaniforafrica.org) un’associazione laica presieduta dal padre comboniano Renato Kizito Sesana. Amani in lingua africana vuol dire pace. E’ un’organizzazione non governativa riconosciuta dal Ministeri degli Affari Esteri che s’impegna a favore delle popolazioni Africane con progetti concreti in Zambia e Kenya. “Il concetto di pace nella nostra cultura è troppo vago e poco usato. Continua ad esserci una divisione in parti disuguali delle risorse del nostro pianeta, che danno benessere solo a pochi: è un dovere impegnarsi concretamente e cercare di offrire delle soluzioni concrete ai problemi di quelle terre. Finché non c’impegneremo di più in questa direzione il nostro concetto di civiltà sarà sempre troppo limitato”.

PASSIONE. “Sembro una persona algida e distaccata. In realtà sono molto passionale. Quando mi chiedono se per me è più importante l’amore o il lavoro rispondo senza alcuna esitazione l’amore. I sentimenti vengono prima di tutto, mi ci dedico con tutta me stessa. Credo che l’amore sia uno di quegli aspetti che esalta la mia “meridionalità”. Se sono innamorata? Certo, di mio marito Francesco (Fei, regista pubblicitario e di videoclip ndr): stiamo assieme da nove anni”.

DONNE. “Vogliamo il pane, ma anche le rose” gridavano le operaie tessili che marciavano con rabbia durante le settimane di scioperi del 1912 nel Massachusetts. Lo slogan è stato mutato ed utilizzato come titolo del documentario Vogliamo anche le rose (prodotto da Mir Cinematografica e Rai Cinema), di cui la Caprioli è stata la voce narrante, e nel quale si racconta l’evoluzione della vita femminile e delle lotte che le donne hanno intrapreso dal ’68 ad oggi. “Dopo quarant’anni diritti che davamo per acquisiti dobbiamo invece tenerceli stretti e dimostrare, purtroppo, di non essere persone di serie B. Ancora oggi siamo costretti a parlare di quote rosa e di leggi per parificare gli stipendi di uomini e donne: non è imbarazzante?” Intanto il suo impegno sociale per le donne e la sua bravura professionale le hanno appena fatto vincere il Premio Afrodite, unico premio interamente dedicato alle donne dello spettacolo e della cultura.

VIAGGIO. “Mi piace stare sola con me stessa e non ho problemi a viaggiare da sola, anzi, adoro andare in vacanza da sola. Una meta su tutte? Mi piace il mare, a tutte le latitudini. Però è da qualche tempo che sogno un viaggio in Birmania. Quella terra mi affascina”.

ANITA. E’ il suo nome, ma anche quello di Anita Pavesi, giudice onorario del Tribunale dei minori di Milano, scomparsa nel 1998: per oltre vent’anni si è impegnata a favore delle persone in grave difficoltà e a sostegno delle popolazioni Africane. La Caprioli sostiene il progetto “La casa di Anita”, nata proprio in memoria del giudice Pavesi. “E’ una casa famiglia sulle colline di N’gong, vicino a Nairobi: qui tre famiglie keniane hanno deciso di accogliere in casa loro le bambine di strada dai 4 ai 13 anni provenienti dai quartieri poveri della capitale del Kenya. La maggior parte di loro sono orfane e vittime del turismo sessuale. Sono orgogliosa di sostenere questo progetto le cui responsabili sono tutte le donne”.

Il restauro di un capolavoro del rinascimento piemontese attribuito a Aimo Volpi

Un’espressione che ispira devozione e rispetto, è quella del volto del Cristo raffigurato in Croce nella tavola quattrocentesca attribuita ad Aimo Volpi, che si trova ora a Livorno Ferraris. Un volto ritornato all’antico splendore, poiché riaffiorato a seguito di un intervento di restauro che ha portato alla luce un intero capolavoro del tardo rinascimento piemontese. Venerdì 16 maggio nella chiesa di Santa Maria delle Grazie a Livorno Ferraris si è svolta la presentazione del restauro e per l’occasione è stata anche esposta l’opera. E’ proprio in questa chiesa che la tavola della Crocifissione era stata custodita per tanti anni, con un aspetto completamente stravolto rispetto all’originale. Nessuno avrebbe mai potuto immaginare quello che in realtà era il vero valore dell’opera. I lavori di restauro sono stati affidati dal Comune di Livorno Ferraris alla ditta Nicola Restauri di Aramengo. Un laboratorio di restauro che è stato fondato da Guido Nicola e dove, oltre ai dipendenti, lavora tutta la sua famiglia; la passione per questo lavoro è stata infatti condivisa prima dalla moglie Maria Rosa Borri, e col tempo anche dai figli Gian Luigi e Maria Rosa e dai loro rispettivi consorti. Un laboratorio specializzato in molti settori, conosciuto e a cui si rivolgono sia collezionisti, sia enti pubblici e privati, italiani e stranieri per il recupero di capolavori d’arte di ogni tempo. Questo laboratorio ha lavorato a restauri e recuperi in tutto il Piemonte, lavori eseguiti non solo su affreschi, tele e pitture, ma anche su statue e sculture custodite in diversi luoghi: dal Sant’Andrea di Vercelli al Santuario di Crea, dal duomo di Asti al San Gaudenzio di Novara, o, ancora, al Monte dei Cappuccini di Torino e tanti altri, compresa la cattedrale di Sant’Orso in Valle D’Aosta.

Le fasi del restauro pittorico della Crocifissione del Volpi sono stati illustrate da Anna Rosa Nicola, restauratrice del Laboratorio Nicola, e da Massimiliano Caldera, direttore dei lavori di restauro per la Soprintendenza per i beni storici, artistici ed etnoantropologici del Piemonte. L’opera pittorica ora risulta rinnovata e pulita e - grazie alla riflettografia ad infrarossi - è stato possibile recuperare il disegno preparatorio dell’autore. Questo ha permesso di recuperare non solo l’originario aspetto del volto del Cristo, ma anche la versione del paesaggio dello sfondo più vicina all’originale. E’ stata quindi una sorpresa quella che si è presentata agli occhi dei restauratori, che hanno riscoperto interessanti particolari della vicenda di quest’opera. La tavola era stata oggetto di pesanti ridipinture e rifacimenti. Interventi e manipolazioni che avevano riguardato sia la pittura, sia la cornice. La prima era stata interamente rifatta e stravolta, la seconda era stata ricoperta con carta colorata incollata con colla animale e ridipinta. Le radiografie eseguite per analizzare il colore hanno inoltre permesso di avere notizie delle stuccature che erano state eseguite, sul posizionamento di chiodi e sull’assemblaggio della tavola (che risulterebbe anche ridotta nelle dimensioni sia sul lato superiore, sia su quello inferiore). Il lavoro di restauro vero e proprio è stato condotto da Anna Rosa Nicola e dal marito Nicola Pisano, la pulitura è stata eseguita chimicamente e a bisturi, un intervento delicato e in certe fasi particolarmente difficile. La tavola è stata realizzata in parte con la tecnica ad olio (il paesaggio) ed in parte con la tecnica a tempera (l’incarnato). La parte meglio conservata era quella raffigurante il paesaggio. Il volto e il corpo del Cristo, tema centrale della raffigurazione, erano invece altamente degradati. Ed è proprio nel recupero della figura del Cristo che è iniziata la parte più critica del restauro. Essere riusciti a recuperare il disegno preparatorio attraverso la riflettografia ad infrarossi, ha fornito uno spunto per ricomporre quello che era l’aspetto del Cristo e del crocefisso. Inoltre sono emersi interessanti particolari sul paesaggio che ora risulta più vivo e ricco di sfumature di colore.

Come sarebbe arrivata a Livorno Ferraris questa tavola attribuita al Volpi?
Giovanni Romano dell’Università degli studi di Torino ha fornito alcuni spunti di riflessione. Livorno Ferraris è a una distanza intermedia tra Vercelli e Casale Monferrato. E’ un centro che ha avuto la fortuna di trovarsi in un crocevia di strade che collegano e collegavano Vercelli, Torino, Casale Monferrato, su uno dei tratti della famosa via Franchigena. Fu, quindi, in una posizione favorevole allo scambio e alla circolazione di merci e cultura. Nel Quattrocento la zona tra Vercelli e Casale fu uno dei luoghi dove il pittore Martino Spanzotti sostò a lavorare. Spanzotti fu un importante esponente della pittura rinascimentale in Piemonte. Visse tra il 1455 e i primi vent’anni del Cinquecento (morì a Chivasso intorno al 1528). Probabilmente si formò come pittore a Milano, dove entrò in contatto col Foppa e Bramante, e dove può darsi sentì anche l’influsso della pittura fiamminga e di altre culture. Spanzotti è famoso in Piemonte per gli affreschi della chiesa di San Bernardino di Ivrea e la sua presenza è documentata anche a Vercelli. I suoi cognati furono proprio i fratelli Aimo e Balzarino Volpi e tra il 1498 e il 1502 lavorarono con lui nella sua bottega di Casale. Sono molte le ipotesi per cui l’opera potrebbe essere arrivata a Livorno Ferraris, può darsi che facesse parte del patrimonio di qualche ricca famiglia che lo donò alla chiesa, o magari era parte, poi smembrata, di qualche polittico. La cosa curiosa è che sono pochi i quadri rimasti di Spanzotti, molti invece quelli prodotti dalla sua bottega. In particolare, i Volpi di Crocifissioni ne realizzarono almeno tre versioni. Versioni che sono state anche utili nel corso dell’intervento di restauro della tavola livornese. A Livorno Ferraris era presenta anche un’altra opera attribuita ad Aimo Volpi: il dipinto denominato “La Madonna delle fragole”, che un tempo si trovava nella chiesa di San Francesco di Livorno Ferraris e che attualmente è nei laboratori della Soprintendenza di Torino.